Probablemente era algo loco, al menos así parecía al principio. La idea de Jeff Rowe era hacer una película que no se viera demasiado profesional y pulida, como casi todas las cintas con imágenes computarizadas, sino que más bien fuera revoltosa, divertida e impredecible, como los héroes de la historia. “Imaginé que luciera como si fueran dibujos de adolescente”, así de simple, explica Rowe. “Ya saben, los trazos que haces cuando estás en secundaria, así que tienen formas raras y una perspectiva mala, pero sin embargo son adorables. Y siempre son sinceros”.
Desde una perspectiva visual eso significó líneas salvajes, proporciones irregulares, sin simetría; la sensación general de que los dibujos se hicieron con libertad y alegría, no necesariamente el proceso de la mayoría de las cintas animadas, que buscan la perfección.
Después de reflexionar en la aparente locura creativa de Rowe, Rogen se dio cuenta de que le encantaba el concepto y pensó que, en lo personal, demasiadas cintas animadas que él filmó en el pasado tenían exactamente ese aspecto.
“Con los proyectos de animación normalmente te muestran la proyección y el concepto artístico en una sala, así que es expresivo y hermoso”, afirma Rogen. “Pero cuando ves la película inmersa en estos parámetros perfectos, las imágenes previas se convirtieron en trazos impecables que lucen fotorrealistas. Así estábamos condicionados. Ahora, en esta cinta empezamos a ver un arte conceptual y fue estupendo. Era como si lo hubieras dibujado a mano y en realidad no tenías que respetar las líneas. Así que trasladamos esto a la película”.
Cuando Rowe y el diseñador de producción Yashar Kassai, con quien Rowe trabajó en The Mitchells Vs. The Machines, analizaron el aspecto de la película, recordaron los juguetes de las Tortugas en busca de inspiración. “Jeff me entrevistó para el trabajo y hablamos de los juguetes que adoramos de niños”, afirma Kassai. “Ambos pensamos en el arte original de Playmates Box. Creo que esas ilustraciones, tan sencillas, nos transmitían mucho acerca de un mundo. Esas cajas artísticas nos parecían increíbles. Así pues, para esta cinta, fueron nuestra inspiración”.
Rowe define a Kassai como el hombre perfecto para esta película debido a su gran imaginación y creatividad, además de que no se apega a lo que hacen otros proyectos animados. “Él es brillante con el color y el diseño”, afirma Rowe. “Me encanta su trabajo porque no es lo usual en el ámbito de la animación. No toma decisiones trilladas al diseñar un personaje o aplicar un color. Por eso, para esta franquicia, con su historia y el hecho de que las Tortugas siempre han sido algo raras, un poco fuera de lo acostumbrado, Yashar fue la elección perfecta. No podría haber pensado en alguien mejor para esta cinta”.
Colaborar en algo tan distinto a lo tradicional fue emocionante para los animadores, pero también se les pidió que hicieran algo innovador y olvidaran las reglas con las que habían trabajado durante su carrera. “Queríamos que nuestros animadores dejaran de lado lo que aprendieron en la escuela de arte”, afirma el productor ejecutivo Ramsay McBean.
“Fue un alivio genial”, dice la supervisora de superficies de personajes Anne-Claire Leroux. “Fue similar a: ‘¿Recuerdas cuando eras adolescente, te aburrías en clase y dibujabas en el margen de tu cuaderno? Eso es lo que debíamos lograr”. Sin embargo, requirió tiempo acostumbrarnos a eso. Como sabemos, los dibujos adolescentes no lucen como la animación por computadora, así que al generar imágenes digitales es difícil expresar el caos. Después de todo, las computadoras sólo trabajan con el orden y la lógica.
“Si hablamos en general, en una película animada debes tener simetría”, afirma Jacques Daigle, Jefe de Animación de Personajes. “Las computadoras trabajan mejor cuando puedes dividir a un personaje por la mitad y después duplicarla como espejo”. Y eso no iba a funcionar en Tortugas Ninja: Caos Mutante. “Ningún personaje en esta película es simétrico”. En otras palabras, requirió un esfuerzo colosal, interminable imaginación y múltiples errores para encontrar un estilo que nos gustara a todos. De hecho, Rowe sabía que les pedía algo casi imposible de conseguir.
“Como director, mis instrucciones fueron breves: ‘Si ya vieron esto antes, deben hacer algo distinto’”, explica Rowe. “Al principio, siempre decíamos, ‘Esto es un cliché. Esto es un tropo… Esto luce demasiado bien. Hicieron un buen trabajo y es hermoso, pero lo detesto’”.
Kassai recuerda que la clave para encontrar el diseño que deseaban fue adoptar la idea de que en esta película nada debía tener un aspecto uniforme. En cierto modo el objetivo fue el choque de diferentes formas de dibujo. Buscamos que cada animador dibujara con el mismo espíritu, no con el mismo estilo.
Kassai recuerda cuando vio los guiones gráficos de humor originales de Rowe, que estaban cubiertos de garabatos. “Había algo encantador y entrañable en eso”, añade. “También es muy familiar para nosotros, pues todos alguna vez dibujamos así”. Por ello, alentamos a los artistas para que hicieran eso, trazaran garabatos y encontraran algo divertido, no algo pulcro. “Lo que perseguíamos era la imperfección”, afirma.
Esta instrucción, que dejaran líneas que parecieran errores o colorearan fuera del contorno, no se sentía natural para los miembros del equipo. Pero resultó una mina de oro. “¡Fue raro decir al departamento de arte que dibujaran peor!”. Kassai se ríe. “No buscábamos elegancia. Queríamos diversión y emoción. Algo experimental… Nunca me divertí tanto dibujando para una película”.
Pero lograr que el diseño tuviera un aspecto informal implicó un trabajo técnico complejo e inteligente. Como supervisora de superficies de personajes, Anne-Claire Leroux dirigió a un equipo de artistas para crear las texturas y detalles de la superficie de cada personaje, cada pieza de utilería y los elementos del set. Usualmente eso sería conseguir que todo fuera perfecto. En este caso, era lo opuesto.
“Al inicio, el comentario más común de Jeff era: ‘Luce demasiado computarizado’”, dice Leroux. “Debíamos romper con eso”, lo cual requirió pintar a mano muchas cosas, labor poco habitual en la animación computarizada, para crear ‘imperfecciones’ en varias partes del cuadro. Esto se hizo en elementos tales como el fuego y el agua, además de los fondos mate, dibujados a mano.
Jacques Daigle, jefe de animación de personajes, recuerda cuando entendió bien lo especial que podría ser esta película. “Creo que todos captamos el concepto cuando vimos los diseños de los personajes que creó Yashar”, dice. “Eso fue catártico, alimentó nuestra creatividad. No queríamos hacer algo trillado. Al ver esos bellos diseños nos dimos cuenta de la gran oportunidad que teníamos para disfrutar una amplia libertad e intentar algo diferente”.
En los diseños de las Tortugas, era importante que les dieran más individualidad que en cualquier otra cinta o programa de televisión de las Tortugas hasta la fecha. Debían ser tan distintas que las pudieras distinguir, aunque no llevaran puestas sus coloridas máscaras. Leroux afirma que los diseños fueron “mucho mejores” cuando supieron que la voz de los personajes la prestarían adolescentes reales y cuando se apartaron del aspecto musculoso que tenían las Tortugas en algunas películas previas, para que lucieran como si sus cuerpos aún estuvieran creciendo. “Establecimos un tope sobre la masa muscular que podrían tener”, dice Rowe. “Cambiamos también su postura y la forma en que se comportaban”.
El equipo buscó transmitir las distintas personalidades de modos que no fueran obvios o clichés. Por ejemplo, Donatello es el hermano ‘nerd’, que adora la tecnología y su propia compañía. Pero nadie quería convertirlo en un estereotipo de nerd.
“Hay la tendencia de que el ‘personaje nerd’ siempre tenga anteojos”, comenta Rowe. “Yo solía ser medio nerd en la secundaria, pero mis amigos y yo no éramos así. Mas bien decíamos, ‘¿Ya vieron este anime sombrío?’. Con Donnie sentimos apropiado convertirlo en un súper fan de las cosas oscuras. Él vive con sus audífonos puestos y casi no habla con otros; es genial cuando tiene interacciones con humanos”.
Este deseo de alejarse de los clichés se aplicó rigurosamente en cada aspecto del rodaje. Cuando Rowe buscó fuentes de inspiración para filmar la película, encontró ámbitos sorprendentes y gravitó hacia el trabajo de Spike Jonze, Paul Thomas Anderson y Alfonso Cuarón en particular.
“Cuando Jeff mencionó a Spike Jonze y Paul Thomas Anderson me pareció fascinante”, afirma el director de fotografía Kent Seki. “Con Spike Jonze todo se trató acerca de la sensación auténtica, casi documental. Con Paul Thomas Anderson se abordó la energía de su cámara, en especial sus primeros trabajos, como Boogie Nights o Magnolia. Hablamos acerca de cómo nuestra película podría ser una evolución de eso”.
Rowe explica que lo inspiró en particular Y Tu Mamá También, de Cuarón, por la brillante forma en que la cinta logra que quieras estar junto a sus jóvenes protagonistas. “El modo en que usa largas tomas te invita a pasar tiempo con estos personajes”, resalta Rowe. “No se trata de que ocurra algo emocionante, no trata de ser sensacional, simplemente el público no desea separarse de la experiencia de compartir con los personajes. En verdad sientes intimidad con ellos. Por esta razón deseábamos que nuestras tortugas tuvieran interacciones como las personas”.
Rowe y Seki acordaron que las primeras partes de la película se verían como si las hubieran filmado adolescentes, con movimientos de cámara sencillos y en ocasiones cierto aspecto de cámara manual inestable. Y la iluminación también debía ser simple, nada “espectacular de Hollywood”. Sobre todo, debía rememorar al entorno poco pulido de Spike Jonze.
“Si ves un video de patinadores de Spike Jones, no hay una iluminación bella”, afirma Ramsay McBean. “No hay luces que los hagan resaltar. Ellos sólo toman una cámara y esperan filmar algo bueno”.
Cuando la película avanza y las Tortugas maduran, también evoluciona el aspecto de la película. “A medida que las Tortugas se convierten en héroes, elevamos nuestro estilo de cámaras para respaldar el subtexto de su madurez”, afirma Seki. “Asimismo, filmamos su mundo y el mundo adulto en dos formas distintas. Su universo adolescente es frenético. En el universo adulto la cámara se vuelve más formal”.
Irónicamente cada detalle del rodaje se planeó con gran cuidado para lograr un aspecto que pareciera surgido por casualidad. Pero si los realizadores cinematográficos de Tortugas Ninja: Caos Mutante pensaron que hallar el estilo de la película implicó inmersiones en el caos total, resultó que no habían visto nada aún, pues estaban a punto de encontrar al elenco joven de la cinta. Y no imaginaban ni la mitad de la divertida anarquía que estaba a punto de golpearlos.